Aus den USA kam „Glazing“: Lilli Carré morphte einen Frauenkörper der in der Bildebene zwei Minuten lang in verschiedenste flüchtige Posen, die aus der Kunst- und Filmgeschichte erkennbar sind. Den Ausbruch verwehrte Carré der sich verflüssigenden, hin und her hastenden Figur bis zuletzt, als sie mit Blick in den Kinosaal einen Moment lang verharrt und abgeht, nachdem sie den Blick der Filmclubgäste ausgehalten und hinterfragt hat.

„Flower Show“ der Finnischen Regisseurin Elli Vuorinen erzählt mit bedrohlichen Bildern vom Heranreifen und vom (zu jung) begehrt und bedrängt werden. Vor dem Hintergrund der gehobenen Gesellschaft und der Verschränkung von Blumen mit Weiblichkeit geht es um Zwang, Schönheit und den Wunsch auszubrechen. Ein besonderer Hingucker ist dabei der Abgang unserer Protagonistin durch eine Hecke, eine visuelle Hommage an ein bekanntes, bei den Simpsons ausgeliehenes, längst ein Eigenleben führendes Meme.

Die Britin May Kindred-Boothby „The Eating of an Orange“ zeigt konforme Mädchen und Jungen in einer Art Heim oder Schulkontext. Animation nutzt die Regisseurin für ihren Kurzfilm als Mittel der gespenstischen Synchronität zwischen ihren identisch gekleideten Akteurinnen und Akteuren. Man denke an Wasserballett wo perspektivisch Chimären mit einem Körper aber vielen Armen, Beinen und Köpfen entstehen. Eine der Frauen wird durch eine Orange verführt, die ihr eine ältere, rittlings auf einer Mauer sitzende Frau ihr reicht. Die Versuchung durch eine Orange, die im Querschnitt eindeutig als Symbol für die Vulva gelesen wird verbindet Biblisches mit der Figur einer Zaunreiterin. Sinnlich, befreiend und schön.

Mit „The Roe Deer“ nimmt die französische Regisseurin Delphine Priet-Mahéo die Perspektive einer stark gestressten Mutter ein, die ab einem gewissen Punkt – vom Lärm der eigenen Kinder und der hinterm Zaun aktiven Jäger und Jagdhunde umzingelt – beginnt sich von sich selbst zu dissoziieren. Irgendwann ist sie dem Reh, welches in ihren Garten zum Äsen kommt näher als der eigenen Familie und spiegelt damit auch dessen Angst. Spannende neun Minuten.

Im Afghanischen Beitrag „Restart“ der Regisseurin Khadije Zafari wird aus der Erinnerung erzählt. Eine junge Frau erinnert sich rund um alltägliche Gesten an Schulbildung in der Heimat und an einem nicht näher identifizierten Fluchtpunkt. Die Bilder überschneiden sich, die Erinnerung ist präsent und mitgereist. Der Großteil der sechs Minuten Film plätschert ruhig dahin, bis die Bomben fallen.

Durch „Shedding“ konfrontiert uns Vicky Smith mit einer Performance-Arbeit für die Bolex Kamera. Der Engländerin, die seit mehreren Jahrzehnten auf 16mm arbeitet gelingt in einer einzelnen Ausstellung die Illusion einer Überbelichtung, die sich allmählich auflöst, in überlappende Einstellungen des gleichen Gesichts, die sich nach und nach von sich selbst lösen.

Den längsten, zwanzigminütigen Beitrag der „Transgressions“ bekommen wir zuletzt zu sehen. Als der Film mit den meisten Dialogen ist es angenehm für Untertitelskeptiker, dass „Mama Micra“ aus Deutschland stammt. Regisseurin Rebecca Blöcher entfilzt dabei die Beziehung zur Mutter und deren Erinnerungen an ihr unkonventionelles Leben in liebevoll und aufwändig gestalteter Stop-Motion-Animation in die auch Fotografien und andere Dokumente einfließen. Das unkonventionelle Leben der Mutter sah diese um die Welt tingeln und für zehn Jahre in einem kleinen Auto leben. Behutsam stellt die Regisseurin Fragen, die auch schmerzlich sind, etwa: Kann eine Mutter für ihr Kind „da“ sein, wenn sie selbst keinen festen Platz hat?

Wenngleich das Team der „Tricky Women“, dessen Selektionen wir sehr gerne wieder in Bozen sehen würden davon nichts wusste, passte gerade „Mama Micra“ als Brückenschlag zum letzten Film des Abends bestens. „Faceva rima“, würde es auf italienisch heißen.