Den Titel der Ausstellung, eine wortwörtliche Übersetzung, hat man von einem Buch Gribaudos von 1968 entlehnt. Das Künstlerbuch „Il peso del concreto“ konfrontierte Bilder von Kunstobjekten auf der einen, mit Beispielen konkreter Poesie (aus einer Anthologie, die der Dichter Adriano Spatola herausgegeben hat) auf der anderen Seite. Im Museion ist die Poesie ein leichtes Echo, die „Logogrifi“ des Künstlers, reliefhaft gearbeitete Werke, die von Löschpapier bis Polystyrol in verschiedenen Materialien entstehen, hängen an den Wänden oder liegen leicht auf Ziegeln aus Beton. Weiß auf weiß und mit individueller Beleuchtung laden sie zur näheren Betrachtung ein und laden näher. Aus der Bibliothek der Etage die Gribaudo gewidmet ist, sind Stimmen zu hören. Der Nebenschauplatz hat sich in mehr als einem Dutzend Vitrinen dem Oeuvre des Verlegers Gribaudo verschrieben und eine kollektive Audio-Installation konfrontiert eine Gruppe nachgerückter Poet:innen mit dem Buch von ‘68. Die Frage, die sich stellt ist eine konkrete: Wie radikal kann diese Poesie noch sein? Poetische Echos finden sich, wie gesagt in der ganzen Ausstellung: Gribaudos Topographien, mal figürlicher und mal abstrakter, lassen in Landschaften und auf eine Faszination mit dem Verfahren, der Technik des Druckens blicken.

Im etwas weniger dichten oberen Stock ist Tobia Tavellas Installation ein Kraftakt, der aber gleichzeitig vom vorsichtigen Umgang mit Ressourcen und Wiederverwertung spricht, sogenannten regenerativen Praktiken, deren sich mehrere im Museion finden. Tavella hat, mit Schubkarren und Muskelkraft einen Erdhaufen samt Pflanzen, Steinen, Pilzen und Totholz ins Museion gebracht, die Pflanzen stammen aus unweit an der Talfer erledigten Uferarbeiten. Zentrales Stück der Arbeit ist allerdings eine große Trommel, die auf Beton gegossen an Gribaudo denken lässt und auch das, was noch kommt. Statt um einen neuen Guss handelt es sich dabei jedoch um eine ausrangierte Satellitenschüssel, die Tavella in der Nähe des Senders in Kohlern fand.  Als „nomadic Drum“, die vom Besucher geschlagen werden darf, findet sich die Trommel sicher auch andernorts wieder, etwa bei der Biennale Gherdëina. Das ist allerdings noch Zukunftsmusik.

Ein besonders konfrontatives Werk steuert Magdalena Mitterhofer bei. Vor einem Hintergrund, der für sich schon einiges an künstlerischer Produktion angeregt hat, stellt Mitterhofer Fragen des Generationen-Dialogs. Um das Villagio Eni in Corte di Cadore geht es dabei nur am Rande und als Setting eines Films. „Corte“ lässt eine Gruppe von Jugendlichen der Generation Z auf einen älteren Schriftsteller Noél treffen. Wechselseitige Neugier, Alkohol und ausgelassene Stimmung machen Abgründe auf und es wird tief geblickt. Ergänzt wird die Vorführung durch einen von Mitterhofer reproduzierten Beichtstuhl aus dem Villagio, den sie mit Zeichnungen aus dem Storyboard zu „Corte“ versieht.

Eine Einladung zum Gespräch war auch Binta Diaws „The Land of Our Birth Is a Woman“, das 2021 im Bozner Lungomare entstanden ist. Mehrere Frauen mit Migrationshintergrund kamen mit der zwischen Mailand und Dakar lebenden und arbeitenden Künstlerin zusammen und gestalteten ein Patchwork, ihre Unterhaltungen dringen unsichtbar, als Audiomitschnitt, aus dem Stoff. Warum und auf welche Weise das Werk von Visionär Alexander Langer beeinflusst wurde? Wir haben nachgefragt bei einer, die im Rennen um 60.000 Franken mit dabei ist.

Frau Diaw, wie kam es, dass Alexander Langers „Südtirol ABC“ ihre Arbeit inspiriert hat?

Binta Diaw: Ich wurde 2021 für eine Residency eingeladen und fühlte mich ein wenig verloren, weil Bozen komplett neu für mich war. Ich wusste nichts von der Geschichte der Stadt. Also habe ich um Hilfe gebeten und man zeigte mir Alexander Langer und diesen Text. Als ich das Abecedarium gelesen hatte, fand ich es einfach sehr revolutionär. Es regt zum Nachdenken an. Ich habe versucht, seine Ideen zu dekontextualisieren und in einen neuen Kontext von heute zu übertragen.

Sind diese Gedanken für Sie, als schwarze Frau, die nicht in Südtirol lebt anwendbar?

Sicher. Ich meine, ich habe eine gewisse Vertrautheit zu meinen Gedanken und meiner Identität als schwarze Frau in einem europäischen Kontext verspürt. Es geht nicht expliziert um „blackness“, natürlich aber ich fand das sehr spannend. Während meiner Residenz ging es mir darum, eine kollektive Praxis zu schaffen, verschiedene Gemeinschaften kennen zu lernen und etwas zu Schaffen, um des Schaffen willens. Ich habe also Lungomare gebeten für „The Land of Our Birth Is a Woman“ Kontakte herzustellen und wir haben uns im Lungomare als Gruppe von Frauen mit Migrationsgeschichte getroffen. Wir haben unsere Erfahrungen als Frauen ausgetauscht und die Stoffstücke, die ich mitgebracht habe zusammen genäht. Die Idee war es, all diese Frauen mit verschiedenem Hintergrund um den Prozess des Nähers herum zusammenzubringen, da dieser sehr weit verbreitet ist.

Ist das vielleicht auch ein wenig ein Klischee, eine ausgesprochen stark mit dem weiblichen Geschlecht konotierte Tätigkeit?

Auch. Aber es sollte nicht um das soziale Geschlecht gehen. Es ging um Vertrautheit und Zugänglichkeit, aber auch um Kultur, die überall etwas anders ist und anders praktiziert wird. Für mich war es spannend, diese Arbeit Frauen vorzuschlagen. Ich hatte großes Glück, dass einige von ihnen das auch beruflich machen. Sie waren sehr gut. In gewisser Weise war es wie Unterricht, aber auch sehr intensiv und emotional.

Wenn es wie Unterricht war, gab es dann eine Lehrerin, oder war due Hierarchie flacher?

Nein, nein, es war vollkommen horizontal. Wir haben am Boden gesessen und, worauf der Titel verweist, das Werk aus dem Boden heraus geschaffen. Es war ausgesprochen horizontal, auch wenn es beim Alter eine große Bandbreite gab. Ich glaube, es wurde nur Italienisch gesprochen. Das war seltsam, normalerweise würde man da an Englisch denken, aber in unserem Fall war das Italienische die gemeinsame Sprache.